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Fiio X1 als Ersatz für iPod Classic 160GB

Das Bessere ist der Feind des Guten. Oder auch: Wer sein Gutes mutwillig zerstört findet auf der Suche nach Ersatz vielleicht auch etwas besseres.

Ich lieb(t)e meinen iPod Classic 160Gb. Dort sind alle meine CDs als AAC gespeichert und ich habe (hatte) das Ding immer dabei beim Unterrichten, auf Reisen, im Park. leider jedoch, haben sich auch die 160GB langsam dem Ende zugeneigt und ich hatte keine Lust, jetzt wieder damit anzufangen, bestimmte Musik zu löschen, damit mehr Platz entsteht.

Schnell gegoogelt: Yes, das gibt die Option anstatt der 160GB Festplatte mit ZIF-Sockel eine SD, Micro-SD oder CF-Karte einzubauen. Die gibt es mittlerweile bis 256GB. Neben der höheren Kapazität gibt es noch den Vorteil der Erschütterungsfestigkeit im Gegensatz zur Festplatte.

In England gibt es einen freak, der passende Platinen baut (Google: Tarkan iPod), jetzt nur noch einbauen und fertig!

Leider ist genau dies das Problem. Ich würde mich nicht als handwerklich unbegabt einschätzen, aber trotz mehrerer Howto-Videos auf youtube, ist er mir nicht gelungen, den iPod optisch und technisch zerstörungsfrei zu öffnen.

Bei den ersten versuchen habe ich das Gehäuse ordentlich ramponiert, selbst das eigens gekaufte Spezialwerkzeug hat versagt. Bei weitern Versuchen ist dann ein Flachbandkabel beschädigt worden und ich musste Ersatz besorgen. Selbst nach Einbau des neuen Kabel hat der iPod jedoch komplett den Dienst versagt und ist nach Heulen und Zähneknirschen letztlich im Elektroschrott gelandet – ich hatte einen alten Freund getötet.

Auf der Suche nach Ersatz bin ich dann auf den Fiio X1 gestossen.

Der player ist ganz offensichtlich optisch an den iPod angelegt, frisst aber Micro-SD Karten. In meinem Fall eine 200GB Sandisk Karte. Nach nun einiger Wochen Benutzung habe ich folgende Erfahrungen gemacht:

+++

  • die 200GB Karte funktioniert perfekt
  • beim Kopieren der vorhandenen iTunes file-Struktur erkennt der Fiio X1 alles, inklusive CD-Cover
  • das clickwheel hat Rastepositionen und läßt sich so definiterter bedienen
  • Lautstärke läßt sich auf der Seite des Gerät regeln
  • es kommt mehr Wums raus als beim iPod
  • die Höhenwiedergabe und Transparenz ist deutlich besser als beim iPod
  • das Gerät ist deutlich leichter
  • es werden zwei Schutzfolien mitgeliefert
  • das Gehäuse läßt sich für Reparaturen aufschrauben
  • man kann die Titel auch direkt über die Ordnerstruktur auf der Karte auswählen, d.h. „mal schnell“ ein paar files auf die Karte ziehen, ohne alles neu zu synchronisieren ist kein Problem mehr.
  • durch das Benutzen der Karte kann man auch unterwegs (im Studio) auch mal hochauflösende 96kHz files auf das Gerät laden

 

– – –

  • läßt sich nicht direkt mit iTunes synchen,
  • es gibt keine Scrollbeschleunigung, d.h. wer unter Buchstabe K einen Titel sucht, dem wünsche ich viel Spaß beim Drehen des Scrollrads. Wenn man was bei S sucht, dann lieber von hinten anfangen.

 

Trotz der negativen Punkte, würde ich den Fiio X1 sehr empfehlen. Der bessere Sound geht vermutlich auf das Konto des Wandlers. Ich habe schon vor einiger Zeit einen kleinen D/A Wandler von Fiio gekauft, den Taishan. Dieser mini-Wandler läuft bei mir am optischen output des RME Babyface vor einem Stax Kopfhörer. Funktioniert super als weiterer output, da der RME nur einen analogen Out hat.

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A message from Herbie Hancock & Wayne Shorter

A great message from Herbie Hancock & Wayne Shorter

Vor einigen Tagen hat in der social media Welt eine offener Brief von Herbie Hancock und Wayne Shorter die Runde gemacht. Etwas verwundert über diese Aktion habe ich mir nun heute die Mühe gemacht, diesen einmal zu lesen.
In meiner Erinnerung sind Shorter und Hancock zwar immer wieder durch ihr musikalisches Schaffen, nicht aber durch Ihren politisch-kulturelle Einsatz bekannt geworden. Ein Grund mehr also, den offenen Brief aufmerksam zu lesen.

To the Next Generation of Artists,

We find ourselves in turbulent and unpredictable times.
From the horror at the Bataclan, to the upheaval in Syria and the senseless bloodshed in San Bernardino, we live in a time of great confusion and pain. As an artist, creator and dreamer of this world, we ask you not to be discouraged by what you see but to use your own lives, and by extension your art, as vehicles for the construction of peace.
While it’s true that the issues facing the world are complex, the answer to peace is simple; it begins with you. You don’t have to be living in a third world country or working for an NGO to make a difference. Each of us has a unique mission. We are all pieces in a giant, fluid puzzle, where the smallest of actions by one puzzle piece profoundly affects each of the others. You matter, your actions matter, your art matters.
We’d like to be clear that while this letter is written with an artistic audience in mind, these thoughts transcend professional boundaries and apply to all people, regardless of profession.

FIRST, AWAKEN TO YOUR HUMANITY
We are not alone. We do not exist alone and we cannot create alone. What this world needs is a humanistic awakening of the desire to raise one’s life condition to a place where our actions are rooted in altruism and compassion. You cannot hide behind a profession or instrument; you have to be human. Focus your energy on becoming the best human you can be. Focus on developing empathy and compassion. Through the process you’ll tap into a wealth of inspiration rooted in the complexity and curiosity of what it means to simply exist on this planet. Music is but a drop in the ocean of life.

EMBRACE AND CONQUER THE ROAD LESS TRAVELED
The world needs new pathways. Don’t allow yourself to be hijacked by common rhetoric, or false beliefs and illusions about how life should be lived. It’s up to you to be the pioneers. Whether through the exploration of new sounds, rhythms, and harmonies or unexpected collaborations, processes and experiences, we encourage you to dispel repetition in all of its negative forms and consequences. Strive to create new actions both musically and with the pathway of your life. Never conform.

WELCOME THE UNKNOWN
The unknown necessitates a moment-to-moment improvisation or creative process that is unparalleled in potential and fulfillment. There is no dress rehearsal for life because life, itself, is the real rehearsal. Every relationship, obstacle, interaction, etc. is a rehearsal for the next adventure in life. Everything is connected. Everything builds. Nothing is ever wasted. This type of thinking requires courage. Be courageous and do not lose your sense of exhilaration and reverence for this wonderful world around you.

UNDERSTAND THE TRUE NATURE OF OBSTACLES
We have this idea of failure, but it’s not real; it’s an illusion. There is no such thing as failure. What you perceive as failure is really a new opportunity, a new hand of cards, or a new canvas to create upon. In life there are unlimited opportunities. The words, “success” and “failure”, themselves, are nothing more than labels. Every moment is an opportunity. You, as a human being, have no limits; therefore infinite possibilities exist in any circumstance.

DON’T BE AFRAID TO INTERACT WITH THOSE WHO ARE DIFFERENT FROM YOU
The world needs more one-on-one interaction among people of diverse origins with a greater emphasis on art, culture and education. Our differences are what we have in common. We can work to create an open and continuous plane where all types of people can exchange ideas, resources, thoughtfulness and kindness. We need to be connecting with one another, learning about one another, and experiencing life with one another. We can never have peace if we cannot understand the pain in each other’s hearts. The more we interact, the more we will come to realize that our humanity transcends all differences.

STRIVE TO CREATE AGENDA-FREE DIALOGUE
Art in any form is a medium for dialogue, which is a powerful tool. It is time for the music world to produce sound stories that ignite dialogue about the mystery of us. When we say the mystery of us, we’re talking about reflecting and challenging the fears, which prevent us from discovering our unlimited access to the courage inherent in us all. Yes, you are enough. Yes, you matter. Yes, you should keep going.

BE WARY OF EGO
Arrogance can develop within artists, either from artists who believe that their status makes them more important, or those whose association with a creative field entitles them to some sort of superiority. Beware of ego; creativity cannot flow when only the ego is served.

WORK TOWARDS A BUSINESS WITHOUT BORDERS
The medical field has an organization called Doctors Without Borders. This lofty effort can serve as a model for transcending the limitations and strategies of old business formulas which are designed to perpetuate old systems in the guise of new ones. We’re speaking directly to a system that’s in place, a system that conditions consumers to purchase only the products that are dictated to be deemed marketable, a system where money is only the means to an end. The music business is a fraction of the business of life. Living with creative integrity can bring forth benefits never imagined.

APPRECIATE THE GENERATION THAT WALKED BEFORE YOU
Your elders can help you. They are a source of wealth in the form of wisdom. They have weathered storms and endured the same heartbreaks; let their struggles be the light that shines the way in the darkness. Don’t waste time repeating their mistakes. Instead, take what they’ve done and catapult you towards building a progressively better world for the progeny to come.

LASTLY, WE HOPE THAT YOU LIVE IN A STATE OF CONSTANT WONDER
As we accumulate years, parts of our imagination tend to dull. Whether from sadness, prolonged struggle, or social conditioning, somewhere along the way people forget how to tap into the inherent magic that exists within our minds. Don’t let that part of your imagination fade away. Look up at the stars and imagine what it would be like to be an astronaut or a pilot. Imagine exploring the pyramids or Machu Picchu. Imagine flying like a bird or crashing through a wall like Superman. Imagine running with dinosaurs or swimming like mer-creatures. All that exists is a product of someone’s imagination; treasure and nurture yours and you’ll always find yourself on the precipice of discovery.
How does any of this lend to the creation of a peaceful society you ask? It begins with a cause. Your causes create the effects that shape your future and the future of all those around you. Be the leaders in the movie of your life. You are the director, producer, and actor. Be bold and tirelessly compassionate as you dance through the voyage that is this lifetime.

Da steckt ganz schön viel drin. Mit einer Mischung aus Erstaunen und Entsetzen lese ich hier vor allem eine Ansammlung von Platitüden. Womit die beiden durchaus Recht haben, ist der einleitende Satz: „We find ourselves in turbulent and unpredictable times“. Vor allem die politische Zukunft der USA und damit unfreiwillig die nähere Zukunft der sogenannten westlichen Welt befindet sich in einer sehr labilen Phase. Anhaltende Siege Donald Trumps bei den Vorwahlen der Republikaner lassen mich schaudern, und ich war irgendwie schon darauf eingestellt, daß die Shorter & Hancock im Bezug auf ihren einführenden Satz ganz sicher darauf Bezug nehmen würden – schließlich findet dieses xenophobe, rechte und höchst diskriminierende Trump’sche Possenspiel im Heimatland der beiden statt.

Leider finde ich aber keinerlei Positionierung. Diese hätte – zumindest im Einflußbereich der beiden – unter Umständen Anstoß zum Nachdenken geben können. Eine solche Positionierung jedoch macht angreifbar und setzt einen geraden Rücken voraus – ehrlich gesagt habe ich in dieser Richtung schon mehr von Madonne, Tom Hanks und George Clooney gesehen.

Aber nun zum Einzelnen:

„What this world needs is a humanistic awakening of the desire to raise one’s life condition to a place where our actions are rooted in altruism and compassion.“

Laut dem ‚People with Magazine’ wird Hancock’s derzeitiges Jahreseinkommen auf 58 Millionen Dollar geschätzt. Außerdem schreibt das Magazin

„The American pianist-musician-composer has an estimated net worth of $185 million. He owes his fortune to smart stock investments, substantial property holdings, lucrative endorsement deals with CoverGirl cosmetics. He also owns several restaurants (the “Fat Hancock Burger” chain) in Washington, a Football Team (the “Chicago Angels”), has launched his own brand of Vodka (Pure Wonderhancock – US), and is tackling the juniors market with a top-selling perfume (With Love from Herbie) and a fashion line called “Herbie Hancock Seduction”.

Es gibt viele Millionäre, vor allem in den USA. Das ist eigentlich noch nichts besonderes. Allerdings finde ich es unpassend, daß ein solcher Multimillionär jungen Künstlern Altruismus und Nächstenliebe empfiehlt. Er schreibt weiter:

„You cannot hide behind a profession or instrument; you have to be human. Focus your energy on becoming the best human you can be. Focus on developing empathy and compassion.“

Ich bezweifle stark, daß junge aufstrebende Musiker vor allem damit zu kämpfen haben, sich nicht nur hinter ihrem Instrument zu verstecken. Ich würde außerdem gerne einmal die Frage zurückgeben und Hancock & Shorter fragen, ob sie beide „the best human you can be“ sind.

Es heißt weiter:

„Through the process you’ll tap into a wealth of inspiration rooted in the complexity and curiosity of what it means to simply exist on this planet. Music is but a drop in the ocean of life.“

Eine bestimmte Art von „wealth“ haben die beiden sicherlich angezapft, die Frage ist nur, ob es sich dabei um die Erkenntnis handelt, ‚einfach nur auf diesem Planeten zu existieren’? Hancocks eigener Vodka ‚Wonderhancock’ trägt auf jeden Fall dazu bei, sich auf dem Planeten wohl zu fühlen. Ich verstehe unter „simply existing“ jedenfalls nicht, in weißen Anzügen und Privatjets durch die Welt zu zuckeln und mit Immobilien zu zocken.

„The world needs new pathways. Don’t allow yourself to be hijacked by common rhetoric, or false beliefs and illusions about how life should be lived. It’s up to you to be the pioneers. Whether through the exploration of new sounds, rhythms, and harmonies or unexpected collaborations, processes and experiences, we encourage you to dispel repetition in all of its negative forms and consequences. Strive to create new actions both musically and with the pathway of your life. Never conform.“

Eine geplante Zusammenarbeit mit Pharell Williams, die Filmmusik zu blockbustern, wie „Action Jackson“, „Blow Up“ oder „A soldier’s story“ bekomme ich jetzt nicht ganz zusammen mit den Aussagen „never conform“ oder „Don’t allow yourself to be hijacked by common rhetoric“. Wenn ich an die groß angekündigte Zusammenarbeit mit Carlos Santana denke, fällt mir sicherlich nicht als erstes „dispel repetition in all of its negative forms and consequences“ oder „It’s up to you to be the pioneers“. „Unexpected collaborations“ sind es allemal, aber wirklich keine, die die Jazzszene feiern müßte.

„Every relationship, obstacle, interaction, etc. is a rehearsal for the next adventure in life. Everything is connected. Everything builds. Nothing is ever wasted.“

Hier spricht ein echter Hollywoodianer! Ich galube nicht, daß es Hancock durch Menschenliebe und humanismus geschafft hat, seine Millionen anzuhäufen. Ich glaube nicht, daß er unbequeme Standpunkte vertreten hat, die er nun von den jungen Künstlern geradezu fordert. Handelsübliches, neoliberales, gandenloses, amerikanisches Business-Networking sind und waren auch der Schlüssel zu Hancocks Erfolg.

Den Absatz „UNDERSTAND THE TRUE NATURE OF OBSTACLES“ kann man in wirklich jedem Grabbeltisch-Business Ratgeber nachlesen. Das ist weder neu, noch kreativ, noch etwas, was man in einem sehr persönlichen offenen Brief in die Welt hinausschreien muß. Platter geht’s nicht.

„DON’T BE AFRAID TO INTERACT WITH THOSE WHO ARE DIFFERENT FROM YOU“

Hancock lebt offen die Affinität zu buddhistischen Lebensphilosophien. Auf der Internetseite www.beliefnet.com zum Beispiel, kann man audiofiles herunterladen, auf denen er zu Themen, wie „On practising Bhuddism“ oder „Chanting a Buddhist meditation“ spricht.
Außerdem gehört er (offensichtlich) der schwarzamerikanischen Minderheit an. Das heißt eigentlich, daß er sich im Hinblick auf die politischen Turbulenzen in den USA eigentlich völlig anders positionieren müßte. Er sollte wissen, was den Minderheiten (auch sicher der Kultur des Jazz) droht, falls Trump die Wahl gewinnen sollte. Jedoch scheint ihm der Erfolg seiner Parfummarke so wichtig, daß es wohl zu riskant wäre, hier Stellung zu beziehen. Sein Leben im Zirkel der Superreichen schient da wichtiger.

„We can never have peace if we cannot understand the pain in each other’s hearts. The more we interact, the more we will come to realize that our humanity transcends all differences.“

Eine eindeutige Positionierung wäre besser, als die Verantwortung auf die jungen Künstler zu schieben… vor allem mit solch Wischiwaschi Worthülsen. „Fasst Euch alle an den Händen“ wäre sicher knackiger geworden. „Fasst Euch alle an den Händen und kämpft für Kultur, Akzeptanz, weniger Militäreinsätze und gegen Trump“ wäre sicher noch besser gewesen.

„BE WARY OF EGO
Arrogance can develop within artists, either from artists who believe that their status makes them more important, or those whose association with a creative field entitles them to some sort of superiority. Beware of ego; creativity cannot flow when only the ego is served.“

Diesen Abschnitt möchte ich eigentlich gar nicht kommentieren, denn wenn ich spontan ein paar berühmte Jazzmusiker mit fettem Ego nenne müßte, dann wären Wayne und Herbie sicherlich ganz weit oben in der Liste. Was soll das also? Sollen alle anderen Altruisten werden? Genausowenig ließe ich mir von Trump sagen, daß ich einen ordentlichen Beruf ausüben sollte…

„The music business is a fraction of the business of life. Living with creative integrity can bring forth benefits never imagined.“

Ja genau. Herbie, das wissen wir. Wir wissen auch, wie business funktioniert. Und wir wissen auch, daß man, um soweit im business zu kommen wie Du, über Leichen gehen muß. Wir wissen auch, daß diese von Dir mit erhobenem Zeigefinger gemachte Erinnerung sämtliches warmherziges Gesülze von weiter oben in Rauch auflöst. Unnützen Kuschelnebel für die junge Generation von Künstlern.

„Don’t let that part of your imagination fade away. Look up at the stars and imagine what it would be like to be an astronaut or a pilot. Imagine exploring the pyramids or Machu Picchu. Imagine flying like a bird or crashing through a wall like Superman. Imagine running with dinosaurs or swimming like mer-creatures“

Lieber Herbie, auch wenn Du es nicht glauben solltest… junge Künstler sind nicht im Kindergartenalter hängengeblieben, sondern schaffen es tatsächlich, kritisch und wach zu sein, ohne jeglichen inspirationellen Ansatz zu vergessen. Zumindest ich möchte mir nicht von einem über 70-jährigen Burgerkettenbesitzer sagen lassen, daß ich mir soch vorstellen soll, ein Pilot zu sein. Im online Magazin „Business Jet Traveller“ liest man in einem Interview:

„Do you often travel on business jets?
As often as I can. I’ve been flying privately since the 1980s and I love it.

Do you have a favorite business jet?
Yeah, the Gulfstream G550. It’s my preferred airplane when I’m flying in the U.S. because of its spaciousness, comfort level, seat design, speed, reliability and safety. Of course there are some other great companies. I’ve been on some Falcons and Embraers. Those are nice planes.

Will you fly privately on the upcoming European leg of your tour?
Yes, on an ATR 42-300 [twin turboprop] chartered from Hangar8 in the UK. It will carry me, my five-piece band, my tour and production managers, techs and all our gear. There’s often a show in a different city every night, so this was definitely the way to go. We usually leave first thing in the morning for the next stop to allow time to unload, get gear to the venue, check into the hotel, freshen up and make it to soundcheck by late afternoon.“

Spätestens jetzt habe ich keine Lust mehr auf den Märchenonkel, der mir aus seinem Privatjet winkt.

Und schließlich:

„How does any of this lend to the creation of a peaceful society you ask? It begins with a cause. Your causes create the effects that shape your future and the future of all those around you.“

Hancocks (und vermutlicherweise auch Shorters) ‚cause’ wir ganz sicher nicht zum Frieden beitragen, auch nicht die Zusammenarbeit mit Carlos Santana (was soll das musikalisch eigentlich werden?). Im Gegenteil: Hancocks Lebensstil, ist Teil einer kranken, zerstörerischen, unterdrückerischen Wirtschaftsmaschine, die unseren Planeten schwer belastet. Ehrlich gesagt erscheint mir Bill Gates sympathischer als Hancock, obwohl Gates sicherlich nicht so schön über rhythm changes spielen kann.

Abschließend möchte ich betonen, daß ich die vielen Wayne Shorter und Herbie Hancock Aufnahmen nicht missen möchte. Ich finde (vor allem Wayne) hat viel zur Entwicklung der Ästhetik im Jazz beigetragen. Meine Kritik bezieht sich also in keiner Ebene auf die künstlerische Leistung der beiden Genannten.

Umso enttäuschender ist es, eine solche gequirlte Anhäufung von Platitüden und Establishment-Beruhigungsreden in einem offenen Brief an die „jungen Künstler“ vorzufinden.

Ich habe wirklich schon lange nicht mehr so eine dümmlich-bevormundende Ansammlung von Binsenweisheiten gelesen.

„Lasst uns alle an den Händen fassen“

Hätten Wayne und Herbie einfach Ihr ‚Ding‘ gemacht, ohne solche Ratschläge zu verbreiten, hätte ich keinen Grund gehabt, mich darüber zu ereifern. Aber was zu weit geht, geht zu weit.

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Guter Rat ist… günstig.

Dieser Beitrag ist gut gemeint. Und man sagt ja, nichts ist schlimmer als gut gemeint. Deshalb: wenn jemand berechtigterweise kein Interesse an einem gut gemeinten Rat hat, dann einfach nicht weiterlesen.

Der Hintergrund

1994 war ich gerade mal ein Jahr in Köln und gründete mein erstes Quintett mit Matthias Erlewein, Nils Wogram, Dietmar Fuhr und Jochen Rückert, aber gründen ist eigentlich das falsche Wort, es waren erst einmal ein paar Sessions in Jochens Proberaum unter der Severinsbrücke. Sessions, zu denen ich grüner Anfänger gleich einmal stapelweise eigener Stücke angeschleppt hatte.
Das mag heute nicht besonders klingen, 1994 jedoch war das sehr ungewöhnlich. Da mir die Kollegen aber sehr wohlgesonnen waren, machten sie mit – und sie mochten es. Nur einer war etwas grummelig ob meiner aus Unwissenheit, Grünschnäbeligkeit und Selbstbewusstsein verbundenen Haltung: Matthias Erlewein. Ich habe s nicht ganz verstanden, da ich ja aus guter Absicht handelte, als ich den Stapel Stück zur Session brachte. Matthias meinte damals:

…das ist eine Session, keine Probe!

Ich habe es nicht verstanden – heute schon. Nach der Session nahm mich Matthias beiseite und bot mir an, eine kleine Lektion in ‚musicianship‘ zu geben und ich stimmte zu. Wenig später verabredeten wir uns im Café Schmitz am Eigelstein und er erklärte mir die Welt… Mir rauchte nach ein paar Stunden der Kopf, kurz , Matthias erzählt mir alles, was er für wichtig und richtig hielt über Musiker sein, eine CD aufnehmen, eine tour planen, proben, eben alles, was dazugehört.

Für mich war dieses Treffen schmerzhaft und lehrreich, ganz einfach weil ich nicht die blasseste Ahnung davon hatte, was es bedeutet ein Musiker in Köln zu sein. Ich bin ihm aber heute noch dankbar, daß er sich die Zeit genommen und Mühe gemacht hat, mir als Grünschnabel die Dinge zurecht zu rücken.

Ich glaube es war das erste mal, daß ich 1.) eine so umfangreiche Lektion erhalten habe und 2.) so beeindruckt war, daß ich einfach nur die Klappe gehalten habe. In der Zukunft habe ich dann so viel wie möglich davon umgesetzt und mich im Zweifel immer wieder an die Lektion erinnert! Danke Matthias.

Natürlich hat sich nach einiger Zeit auch herausgestellt, daß es Matthias‘ Sicht der Dinge war, die er mir vermittelt hat, und daß ich nicht alles so sehe wie er – aber immerhin hatte ich dadurch einen Startpunkt für eigene Überlegungen, der von einem erfahreneren und vielleicht weiseren Musiker kam, als ich es damals sein konnte.

Und heute?

Ich habe nun die 40 überschritten, unterrichte an der Hochschule für Musik Köln und habe teilweise immer noch mit den gleichen Problemen (wohl aber eine veränderten Gesamtsituation) zu kämpfen – das ganz typische Schicksal eines Freiberuflers im Jazz eben.

Nun bin ich der „alte Sack“ und vor allem durch meinen Job an der Hochschule nun nah dran an den neuen jungen Grünschnäbeln, so wie ich vor rund 20 Jahren. Und manchmal wünschte ich ihnen ein Erlebnis, wie ich es damals hatte: Ein erfahrener, alter Sack nimmt sich Zeit um Zusammenhänge zu erklären, die einem vielleicht nicht ganz klar sind, wenn man in den Twens steckt.

Alte Säcke jedoch wurden vor allem durch das Internet ersetzt, daher gibt es diese Art von one-on-one Auseinandersetzung immer weniger. Vielleicht ist das Schade, vielleicht wird das aber gar nicht vermisst…

Guter Rat ist… günstig.

Wenn man heutzutage als Jazzmusiker spielen möchte, dann wird immer mehr erwartet, daß man sein „eigenes Ding“ macht – es gibt kaum noch jobs für die man angerufen wird. Eigentlich ist das eine gute Entwicklung, die der Kunstform im besten Fall dienen kann. Zeitgleich jedoch fehlen die Lektionen, die Auseinandersetzungen, die Kritik der Älteren und Erfahrenen, was bei vielen jungen Musiker zu einer Art Vakuum der Orientierungslosigkeit führt. Man soll sich jeden Tag neu erfinden, bekommt jedoch von niemandem wirklich Hilfe.
Einen Teil dieses Vakuums füllen die Hochschulen und die Studienkollegen, jedoch besteht hier für echte Kritik kaum eine Chance, da ja alle irgendwie im gleichen Boot sitzen. Die Studieninhalte helfen beim Handwerk, aber geben Sie Richtung?

Ein besonderer Fall stellen hier CD-Aufnahmen und eigene Bands dar. Jeder ist irgendwann einmal an der Reihe, seine erste CD aufzunehmen und sein bis hierhin gesammeltes künstlerisches Werk zu präsentieren, bzw. für sich selbst einen Zeit- und Entwicklungsabschnitt abzuschließen. Nun steht man da und stellt sich so viele Fragen:

Was soll ich aufnehmen, wer soll in der Band spielen, welches Tempo, welche Tonart, wie machen wir den Schluß, welcher Take soll auf die CD, welche Reihenfolge, welches Label, etc… eine Million Fragen.

Und hier kommt nun mein Rat:

Selbst wenn man genau weiß, was man will, selbst, wenn man sich nicht nicht reinreden lassen möchte, selbst wenn man ein klares künstlerisches Konzept vor Augen hat und sich seiner Sache sehr sicher ist, würde ich jedem raten, am besten noch vor den Aufnahmen, vor dem Zusammenstellen der Band und des Programms, eine zweite Meinung eines erfahrenen, hochgeschätzten Musikers einzuholen. Nicht, um sich reinreden zu lassen, sondern um eine weitere Perspektive zu haben – vor allem bei der Aufnahme der ersten CD im Studio kann dies von unschätzbaren Wert sein.

Für ein bißchen Geld (oder vielleicht sogar umsonst) kann man jemanden finden, dem man Vertrauen kann, und der einen zweiten Blick auf das Geschehen hat. Ich kenne viele Aufnahmen von jungen Musikern, denen genau diese Kontrolle, Inspiration, Richtung oder Beobachtung fehlt, um sie zu ganz toller Musik werden zu lassen – und das ist sehr Schade.

Die Lektion, die man als Initiator einer solchen Aufnahme dadurch lernt ist über die CD hinaus unbezahlbar und wird einen ein ganzes Leben lang begleiten. In der Pop und Rockmusik wurde dies schon vor ewigen Zeiten verstanden, seit dem gibt es Produzenten.

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The unnecessary dimension? Well…

Durch einen Kollegen wurde ich neulich auf einen interessanten Blogbeitrag von Moritz Eggert aufmerksam gemacht: Auf seinem „Bad Blog of Musick“, einer Unterseite der nmz online, schreibt Eggert über die Vorteile von Mono vs. Stereo – daher der Titel „The unneccessary dimension“ – die unnötige Dimension.

Da ich mich gerne und viel mit recording und Audiotechnik auf der einen und Musik hören auf der anderen Seite beschäftige (und Musik machen auf der wieder anderen), finde ich diese Thema vor allem auch im Hinblick auf die ziemlich modischen Retrosrisierung der Audiotechnik interessant.
Dieser Trend zum Magnetband, Vinyl, alten Mikrofonen, Synthesizern und altem Equipment generell macht sich selbst im Bereich Film breit. Als Beispiel dafür lohnt es sich, die Rezension der US-Serie „Walking Dead“ auf Amazon zu lesen. Dort heißt es z.B.:

„Blu Ray??? Ich könnt durchdrehen. Absolutes Katastrophenbild. Das sowas überhaupt verkauft werden darf ist wirklich eine Frechheit.
Der Serienabend ist somit gelaufen, diese Qualität kann man sich einfach nicht anschauen.“

„Ich kann jedem nur davon abraten diese blu ray zu kaufen. Die Bildqualität ist wirklich schlecht. Als läge ein grauer Schleier über dem Bild. Es wurden mehrere TV Geräte, Blu ray player und HDMI Kabel verwendet um Fehlerquellen auszuschließen. Es liegt an der Disc.
Hier kann man getrost zur billigeren Dvd greifen…
Eigentlich gehört so ein Produkt sofort vom Markt genommen.“

„Keine meiner über 400 Blu-rays hat eine derart schlechte Bildqualität (und dabei sind auch zig Filme aus den 80ern). Selbst meine alten DVD machen, was die Bildqualität angeht, im Gegensatz zu dieser Version eine bessere Figur.
Das Bild ist total grieselig und flackert, was sehr stark bei hellen Außenaufnahemen auffällt. Das igeht mal echt gar nicht, und frage mich, wo man diese zurückgeben kann.“

Es ist offensichtlich, daß die Macher der Serie ein Art Retro-Look im Sinn hatten: Der Film ist sehr körnig, alles ist mit einer Art Sepiafilter überdeckt (leicht bräunlich), die Farben entsättigt, die Kontraste dafür verstärkt, es gibt große Randabschattungen, etc.

Also auch hier Retro als Stilmittel. Doch ist es die bessere Wahl? Zurück zum Thema.

Eggert schreibt (auf Englisch):

„Even though of course our brain is wired for “stereo surround” mode (because we needed to know if the sabre tooth tiger is before or behind us while hunting in stone-age times) it could be said that this information is actually not necessary when listening to musical sounds. What do we gain by having an electric guitar coming in from the right, or left? What do we learn when sounds come from behind us, above us or below us, except that it might confuse our brain? John Lennon famously preferred the mono version of “Sgt. Pepper” and he had a reason. Many modern mixes of Independent or Jazz music are produced in mono again, on purpose. Some producers long for the old mono “wall of sound” again, for increased intensity of the music.“

Ich meine, wir leben immer noch in einer Welt voll Stereo. Denn wir haben immer noch zwei Ohren. Daß wir heute keine Angst mehr vor Säbelzahntigern haben müssen, verändert nicht die Grundsituation, daß die Ortung eines Klangs wichtig ist und zum allegemeinen Wohlbefinden beiträgt. Wer das im Experiment ergründen möchte, dem empfehle ich, sich an die letzte Erkältung zu erinnern, bei der ein Ohr über Tage zugefallen war. Das Leid über ein zugefallenes Ohr mag wohl unterschiedlich ausfallen, ich empfinde immer eine leichte Panik, wenn dies passiert. Die Vorstellung, ein Ohr „zu verlieren“ löst bei mir wirklich Angst aus.
Eggerts Einstieg in den Text beginnt meiner Ansicht nach gleich mit einem schwachen Argument gegen das räumliche Hören. Aber wir lesen weiter.

„I enjoy 3D and Dolby Surround myself, but I would never think that 3D and Dolby Surround make a good film by themselves, they are just contemporary means to create total immersion, nothing more.“

Reden wir jetzt von Stereo, oder von meterhohen wuchtbrummigen Surroundanlagen im Kino, die mir scheinbar als Grundregel auch noch viel zu laut eingestellt sind? Die oben zitierte „independent“ oder „Jazz“ Musik, die nun bewußt in Mono dargeboten wird, ist in der Filmwelt wohl kaum das Pendant zu „Avatar“ o.ä. in Surround präsentierten Streifen.
Wozu also die Aufregung? Irgendwelche independent Filme werden wahrscheinlich seltenst in Surround oder gar 3D produziert werden – dort finden eher andere (Retro-)Prozesse statt.

„And I would be the first to admit that this “immersion” can be counter-productive when telling a good story, because the immersion actually distracts from what the film wants to tell us.“

Eggert hat hier natürlich Recht! Aber ehrlich gesagt kenne ich keine einzige Jazz oder Independent Aufnahme, wo das Gitarrensolo von links nach rechts flattert o.Ä. Ausnahmslos alle meiner hier aufgestapelten rund 1500 CDs (Jazz, Klassik, you name it…) benutzen Stereo ‚nur‘ als Versuch, einen Raum, der zur Zeit der Aufnahme bestanden hat, für den Hörer wieder darzustellen. Dies gelingt natürlich mal besser, mal schlechter.

Im Übrigen würde ich hier folgendes Experiment vorschlagen: Man stelle sich mit geschlossenen Augen in die Mitte eine Jazzquartets und vergleich den Sound und die damit verbundene Immersion mit einer Stereo-Aufnahme der gleichen Situation. Ich vermute mal, daß sich die Position im Zentrum der Ereignisse anfühlen muß wie ein 3D Film mit surround und sich die Stereo-Aufnahme dazu verhält wie mono zu Stereo. Ist nicht Stereo bereits die einbeinige, humpelnde Version der räumlichen Wirklichkeit? Warum sollte man das andere Bein auch noch abtrennen? Diese Frage wird nicht gestellt.

„When I talk to pop- and film composers they mainly talk about “sound”, not about the strength of their invention, which I would find much more important.“

Natürlich hat Eggert auch hier Recht. Aber worin liegen die Gründe? Hätten die Filmkomponisten heute das budget für ein Orchester, würden – zumindest diejenigen, die wirklich Musik schreiben können – nicht mehr so viel über sound reden. Der ganze sampling- und Studiokram, der heute für Filmmusik benutzt wird, ist eine einzige Geldsparmaßnahme, die es zugegebenermaßen auch wenig talentierten „Komponisten“ ermöglicht, ihren Mist an den Mann zu bringen. Aber wie kann das dazu führen, daß man die Beschäftigung mit Sound und Raum als unnötig bezeichnet? Wird hier nicht die verständliche Frustration über mangelde Qualität und Einfallsreichtum in der Filmmusik vermischt mit einem ganz anderen Thema?

„Somewhere along the search for the perfect sonic realization of music the awareness of the true inner qualities of music has diminished.“

Auch das, sicher. Aber die wahren, inneren Qualitäten von Musik werden meiner Ansicht vor allem an Desinteresse, Geiz und mangelnde Bildung verloren, nur peripher an die Suche nach dem perfekten Sound.

„I’m very much interested in balance, for example, for reasons of clarity. But Mono forces you to get the balance really right, whereas already in stereo you can evade the problem by putting things to the far right and the far left.“

Das stimmt ebenfalls. Aber reden wir von ahnungslosen homerecording-Anfängern? Keine guter Soundengineer praktiziert das o.g. Beispiel bei anspruchsvollen Produktionen. Oder reden wir von anspruchslosen Produktionen, die von Anfängern gebastelt wurden? Schlechte Produktionen gibt es immer und wird es immer geben – aber das ist nicht die Schuld von Stereo.
Oder Reden wir von Blue-Note Aufnahmen aus den 50ern und 60ern? Stereo war damals so neu, daß es vielleicht auch mißberstanden wurde. Und selbst hier könnte man für Stereo argumentieren: Obwohl der alte Links-Rechts sound alter Jazzaufnahmen überhaupt nicht mein Fall ist, bieten sie jedoch eine nicht zu toppende ‚clarity‘. Der Bass ganz links, das Klavier ganz rechts – klarer geht’s nicht.

„Pianos are stereo instruments when you play them, but in a concert they become mono, as the lid projects all notes at once.“

Es gibt keine „stereo instruments“ – jedenfalls it mir keines bekannt. Es gibt nur Instrumente im Raum. Jedes Instrument wird Stereo wahrgenommen, wenn man zwei Ohren hat. Selbst in einem schalltoten Raum hört man eine Oboe stereo – spätestens wenn man den Kopf dreht hört man den Unterschied zwischen dem einen und dem anderen Ohr. Wenn nun noch der Raum dazukommt, wird es deutlich: Wir hören immer stereo!

„Musicians and instrument builders in the past intuitively knew this.“

Welcher „instrument builder“ hat sein Instrument mono konzipiert? Welcher stereo? Hier kann ich nicht folgen. Ist eine Oboe mono? Eine Harfe stereo?

„The greatest old concert halls usually have a unified sound – not stereo, but mono wherever you sit, and with equal audibility.“

Richtig. Es gibt tolle concert halls und weniger tolle. Aber ich bin noch in keinem Konzert gesessen, wo ich aufatmen konnte „Endlich mono! Endlich kein Raumklang mehr!“ Wird hier nicht der Raumklang und die Balance in einen Topf geworden? Kann man nicht beides haben? Kann nicht das eine und/oder das andere gut oder schlecht gelöst sein? Wenn ich in der Kölner Philharmonie in den obersten Reihen sitze und ein Sinfonieorchester höre, hat es mich noch nie gestört, daß ich den Kopf zu den Bässen gewendet habe, wenn diese eine herausragende Stelle gespielt haben. Oder zur Celesta auf der anderen Seite. Noch nie hat es mich gestört, daß ich das Orchester bei geschlossenen Augen orten konnte.
Wohl gestört hat mich jedoch eine mangelnde Balance zwischen den Stimmen und Farben. Doch dies kann viele Gründe haben: die Qualität des Orchesters, die Interpretation des Dirigenten, der Raum…

„All in all I think returning to mono is a valid trend. And whoever doesn’t believe me should listen to the great mono recordings of the great past masters. Thelonious Monk, Dinu Lipatti, Arthur Schnabel, Ginette Neveu, Enrico Caruso… Are we missing any emotional impact when we listen to their tracks, only because they are not “up-to-date” by today’s standards? And is music’s main attraction not exactly this: its emotional impact?“

Jetzt wird es schwieriger. Wie würde heute Thelonius Monk klingen, wie würde er aufnehmen, auf welchem Instrument würde er spielen? Wir wissen es nicht. Die Vergangenheit als Beweis dafür heranzuziehen, daß Mono mehr als ein „trend“ ist, halte ich für schwierig.
Was wir jedoch gesichert wissen, ist, daß zu Zeiten in denen nur Mono aufgenommen wurden konnte, nur Mono aufgenommen wurden konnte.
Die Vorliebe Eggerts für den speziellen Sound von Caruso in knistrirgem Mono wundert mich, wo er doch sagt:

„I often tell my students that ´sound´ doesn’t interest me at all as a composer. […] Are we missing any emotional impact when we listen to their tracks, only because they are not “up-to-date” by today’s standards?“

Wenn man einen Sound gegenüber einem anderen bevorzugt, dann kann das doch nur heißen, daß einen Sound eben doch interessiert. Vielleicht steht Eggert verständlicherweise mit dem „up-to-date“ Wahn auf dem Kriegsfuß? Das tue ich auch. Aber ist Stereo ein up-to-date Wahn, oder nur der bedingt erfolgreiche Versuch, eine immer um uns herum bestehende Räumlichkeit nachzubilden?

„Whenever I’m touched by a current piece of music I know exactly that it isn’t because of its sound at all, but because of its content.
Bring back mono any time, brother. I certainly wouldn’t give a damn.“

Wenn also sound egal ist, warum dann der Eggert’sche Text? Ich glaube, Eggert ärgert sich hierüber:

„We should rather worry about not trusting the emotional impact of our current music anymore, which apparently is so weak that we have to support it with high-end “fidelity”, SACD quadrophonic-multi-surround-state of the art replication.“

Er ärgert sich über mangelnden „content“, über die „weakness“ der aktuellen Musik – und hier gebe ich ihm uneingeschränkt recht. Hierüber kann man sich trefflich ärgern und auseinandersetzen. Aber die Diskussion um das böse Stereo ist ein Nebenkriegsschauplatz, der eher dazu führen kann, daß die trendige Retrogläubigkeit nur zu einem weiteren Puzzlestein in der Ablenkung vom eigentlichen Inhalt von Musik werden kann.

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Bose Soundlink

Ich habe heute bei einem kurzen Stadtbummel Gelegenheit bekommen, mir einmal den Bose Soundlink mini anzuhören… Und, was soll ich sagen. Es hat nicht lange gedauert, daß ich, zu Hause angekommen, dieses Ding sofort bestellt habe.
Wirklich unfassbar, wie gut das klingt (für die Größe). Nun kann ich sogar kleiner Workshops oder Hörstunden in Räumen ohne HiFi-Equipment abhalten…

Wunderbar!

Edit: Auch nach etlichen Monaten würde ich das Gerät weiterhin empfehlen und sofort wieder kaufen! Top!

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Hans Zimmer, the market and Jazz

Durch einen Hinweis von Paul Shigihara (Gitarrist der WDR Big Band) auf facebook (ja, facebook kann interessant sein) bin ich auf eine Art Glosse, Lobgesang, Rehabilitation oder Hinweis gestoßen, der sich mit den Fähigkeiten des amerikanischen Filmkomponisten Hans Zimmer auseinandersetzt. Ehrlich gesagt, weiß ich nicht genau, warum der Text erstellt wurde, oder was der Autor wirklich damit bezweckt: Aufklärung? Hilfe? Dampf ablassen? Daher fällt es mir auch schwer, diesen Text ‚Artikel‘ oder ‚Kommentar‘ zu nennen.

Wer Zimmer noch nicht kennt, kann sich hier kurz einlesen: http://de.wikipedia.org/wiki/Hans_Zimmer

Der Text aus Juli 2013 wurde von Michael Levine verfasst, ebenfalls Komponist, Filmkomponist und Geiger, der offenbar seit vielen Jahren mit und für Hans Zimmer arbeitet.

Hier findet man das Original: Why Hans Zimmer got the job you wanted (and you didn’t)

Zuerst einmal hat mich dieser Text nicht nur interessiert weil ich Hans Zimmers Musik aus unzähligen Filmen kenne, sondern auch weil ich schon viele ’stories‘ über seine anscheinende Unfähigkeit als Musiker gehört habe. Wenn man sich unter Musikern über Hollywoods Filmkomponisten unterhält, kommt Hans Zimmer tatsächlich ziemlich schlecht weg. Die üblichen Vorwürfe werden auch im ersten Absatz des Artikels genannt:

Hans doesn’t really write his own music. The studios only give him work because he’s famous. He’s not a real musician. He just gets his clients drunk and all the work is done by guys in the back room. And so forth.

The underlying implication is that this underhanded semi-musician has Hollywood in his thrall due to Svengali like powers and maybe, someday, they’ll wake up and hire a “real” composer – like whoever is whispering to me.

Ich muß gestehen, dass ich auch zu dieser Gruppe von Besserwissern gehörte – einerseits befeuert durch o.g. ’stories‘, andererseits aber auch durch das tatsächliche ‚Erleben‘ der Zimmer’schen Filmmusik. An dieser Stelle benutze ich ausdrücklich den Begriff ‚Erleben‚ und nicht ‚Hören‚ – aber dazu später mehr.

Erst neulich wurde meine Urteile und Vorurteile gegenüber Zimmer bestätigt… und zwar durch ein Werbevideo für ein neuartiges Eingabegerät für Computermusiker, dem ‚Seaboard‘. Das Video dazu gibt es hier: Seaboard auf youtube

Ich finde den Text von Michael Levine nun nicht bemerkenswert weil er offensichtlich von jemandem verfasst wurde, der direkt mit und von Hans Zimmer lebt, sondern insofern relevant, weil er (un)bewusst zwei grundsätzliche Themen vermischt, die man meiner Ansicht immer auseinanderhalten sollte:

1. Musik, Kunst, immaterieller ‚Wert‘

2. Markt, Geschäft, ökonomischer Erfolg, materieller Wert

Eine Vermischung, die mir inzwischen fast täglich auffällt, und zwar in allen Bereichen des Lebens, nicht nur in der Musik. Ich möchte an dieser Stelle betonen, daß es mir überhaupt nicht um eine Verteufelung des Kapitalismus oder des westlichen Wohlstands geht (das wäre ein ganz anderes Thema)  – mir geht es um die allseits grassierende Undeutlichkeit, wenn es um die Bewertung immaterieller Inhalte geht.

Als Antwort auf die o.g. Vorwürfe gegen Zimmer führt der Autor z.B. folgende ‚Richtigstellungen‘ an:

He has an extraordinary sense of what will work – Hans is an outstanding dramatist – challenging the limits of what is acceptable in our medium – Hans Zimmer works very, very hard – Hans usually arrives at the studio at 11 am and then works until 3 or 4 in the morning. 7 days a week. For months – at some point, he stops shaving – his knowledge of academic theory is, by intention, limited – Hans knows what he needs to know to make it sound great – Hans works with great people, Take a look at the composers who have worked for Hans – Hans is acutely aware of the presentational aspect of our business – At dinner, he serves his guests fine wine – Look at what happened to Howard Shore on King Kong, […] they were fired because the studio or director lost faith that they could shift direction quickly enough once their original approach was rejected. In 150+ films this has never happened to Hans.

Der aufmerksame Leser wird feststellen, daß sich ein Großteil der o.g. Lobeshymnen gänzlich auf den zweiten Themenbereich (Business, Markt, Verkauf, Geldgeber, etc.) bezieht, die Kritik an Hans Zimmer aber größtenteils auf den ersten Themenbereich abzielt (Inhalt, Musik). Der Autor selbst beschreibt dies schon ganz am Anfang seines Texts:

No other composer seems to stir up this kind of fire – I never hear people say, “Yeah, that John Williams only writes 12-line sketches and it’s up to his orchestrators to make it into real music!”

Korrekt. John Williams wird selten für seine mangelnden Fähigkeiten als Musiker kritisiert, für seine flachen Kompositionen, die ’nur‘ auf Monstersound beruhen. Kein Mensch sagt, daß John Williams nichts ‚drauf‘ hat. Das erste, was einem bei John Williams einfällt, ist nicht die Menge an Geld, die er generiert, oder die Anzahl der Leute, die für ihn arbeiten, oder die Innenarchitektur seines Studios. John Williams‘ Kompositionen haben einen musikalischen ‚Wert‘, der jenseits von ökonomischem Erfolg liegt – was nicht bedeutet, daß Williams weniger erfolgreich im Markt wäre als Zimmer. Ich denke, die Kritik an Zimmer geht eher in Richtung ‚content‘, als in Richtung ‚market‘. Man kann sich weniger vorstellen, einen Abend lang ‚best of Hans Zimmer‘ in der Philharmonie Köln zu hören.

Es ist geradezu typisch für unsere Zeit, daß auf Kritik am Inhalt mit Verteidigung durch ökonomischen Erfolg reagiert wird – eine schlimme Verquickung zweier (eigentlich) unabhängiger Bereiche – und keiner beschwert sich oder bemerkt, daß hier etwas nicht stimmt. Im Gegenteil: Unbesonnen lassen sich selbst geübte, sonst scharfsinnige ‚Diskutatoren‘ auf Auseinandersetzungen ein, die eigentlich völlig aneinander vorbei gehen. Es ist anscheinend nicht mehr en vogue Inhalt und Markt zu trennen.

Die Reaktion auf Kritik am musikalischen Inhalt des Zimmerschen Werks treibt hier mitunter seltsame Blüten:

Hans is a so-so pianist and guitarist and his knowledge of academic theory is, by intention, limited…

By intention limited? Kaum zu glauben, daß jemand so etwas zur Verteidigung eines Komponisten ins Feld führt. Meiner Ansicht nach ist es tatsächlich irrelevant, inwiefern jemand theoretisch (oder praktisch) ausgebildet ist. Daß jemand, der sich ernsthaft mit Komposition auseinandersetzt sich jedoch absichtlich von musikalische-theorethischer Bildung fernhält, ist entweder absurd oder selbstgefällig. Ich denke nicht, daß Zimmers Musik darunter gelitten hätte, wenn er einen Einblick in 12-Ton Technik, spätromantische Harmonik oder Barocker Fugentechnik gehabt hätte. Ich denke viel eher, daß Zimmer aus welchen Gründen auch immer (Spekulationen helfen hier nicht weiter) die tiefere Beschäftigung mit seinen Instrumenten und der Theorie für unnötig hielt – was völlig legitim ist.

Dass Zimmers Musik im Filmkontext ‚funktioniert‘ ist wenig streitbar, sie hilft der Dramaturgie der Filme – aber darum geht es den Kritikern glaube ich nicht, denn eine rein ‚dramatische‘ und ‚dienliche‘ Betrachtung von Musik oder Komposition ist meiner Ansicht nach viel zu eng gefasst. Ich bin der Überzeugung, daß ein talentierter Sounddesigner einen blockbuster genauso gut ‚dramatisieren‘ könnte, wie ein Komponist – das hätte jedoch unter Umständen wenig mit Musik zu tun.

Ich möchte mich eigentlich auch gar nicht in den Chor einreihen, dem Zimmer ‚zu flach‘ ist und die sich darüber lustig machen, daß er nur ein paar Mollakkorde auf einem Gummikeyboard drücken kann. Genausowenig möchte ich John Williams als den Filmkomponisten hochstilisieren, nur weil er vor lauter Zwischendominanten nicht mehr weiß, wo er eigentlich ist.

Mir geht es nur um die gefährliche Vermischung von ‚business‘ und ‚content‘ im Diskurs. Und darum wie weit verbreitet diese Ungenauigkeit ist – und zwar selbst in Organisationen (Kulturpolitik!), die sich den Erhalt und die Förderung von Kultur auf die Fahnen schreiben – Ich beobachte eine gewisse Faulheit, sich mit ‚content‘ auseinanderzusetzen.

Diese Faulheit führt mittelfristig zu Monokultur und Verlust von Vielfalt und Qualität. Und Vielfalt und Qualität sind die Nahrung künftiger Generationen von ‚Künstlern‘. Vom kommerziellen Erfolg ihrer Vorgänger kann die nachwachsende Generation nichts lernen, außer wie man Geld generiert.

Schaut man sich in der Kulturszene um, so sehe ich, daß

  • immer weniger Künstler immer mehr Aufmerksamkeit bekommen
  • immer mehr Künstler, ihren kommerziellen Erfolg in inhaltlichen Erfolg umdeuten
  • immer mehr Medien und Professionelle außerhalb des Kunstbetriebs (Journalisten, Veranstalter, Produzenten, etc.) den Unterschied zwischen Erfolg und Erfolg nicht mehr trennen.
  • immer mehr Preise and bewährte Preisträger vergeben werden
  • immer mehr Medien voneinander abschreiben und über Bewährtes berichten
  • Verlässlichkeit gegenüber Vielfalt siegt
  • die Kulturpolitik (deren Vertreter selten wirklich Ahnung von der Materie haben) sich auf genau dieses Bewährte stürz
  • Künstler selbst den Unterschied zwischen content und Markt nicht mehr erkennen

Und, was hat Hans Zimmer mit Jazz zu tun? Nun, glaubt man den gut laufenden Veranstaltungen der Jazzszene, dann gibt es in Deutschland eigentlich nur eine Hand voll nennenswerter Ensembles und Solisten. Glaubt man den Medien, glaubt man der Kulturpolitik, das selbe.

Diversität scheint zu anstrengend zu werden. Zu suchen und zu finden scheint zu anstrengend zu werden – da verlässt man sich lieber auf eine einfache Formel: Wer Erfolg hat, hat Recht.

Bis hierhin könnte ich damit leben – leider jedoch wird das Erfolg und ‚Recht‚ haben mit content verwechselt. Schon jetzt beobachte ich das Heranwachsen eine leichtgläubigen Generation, die sich nicht mehr die Mühe macht, zu unterscheiden. Es wird kopiert, was gerade gut läuft. Es wird nicht kopiert, was interessanten, abenteuerlichen oder anregenden content hat. 

An dieser Stelle nochmals: Ich kritisiere nicht den kommerziellen Erfolg, genauso wenig wie ich das Erfüllen eines musikalischen Wissens- oder Virtuositätskatalogs hochhalte. Ich möchte hier lediglich für die vom Erfolg abgekoppelte Betrachtung von immateriellem content plädieren.

Vor diesem Hintergrund ist übrigens das Thema ‚crowd-funding‘ ein ganz besonderes Desaster.

Also:  Why Hans Zimmer got the job you wanted (and you didn’t): because he knows what to deliver to people whose only interest is the economic success of their product. No more, no less.

Ich denke aber mal, daß dies nicht der Grund sein dürfte, warum junge Nachwuchskomponisten nach L.A. ziehen, um dort Filmmusik zu machen. Als Banker (Immobilienmakler oder Krimineller) kann man mit weit weniger Schmerz in kürzerer Zeit Erfolg haben.

Um seine eigene Position als Künstler zu bestimmen, sollte man sich folgendes Fragen:

Was ist mir als Jazz-Pianist wichtiger: Anerkennung von Bill Evans, oder von der Finanzabteilung der Plattenfirma?

Was ist mir als Maler wichtiger: Anerkennung von Pablo Picasso, oder von der Finanzabteilung der Galerie?

Wenn man diese Fragen ehrlich beantwortet und mit seinem aktuellen Weg vergleicht, kann man wieder zu einer Trennung von Erfolg und Erfolg zurückfinden. Bliebe da nur noch das Problem der wachsenden Monokultur in der ‚Kulturverwaltung‘. Aber auch diese Menschen könnten sich eine ähnliche Frage stellen – wenn sie denn wollten. Aber das kann mitunter weh tun und Schmerz auszuhalten ist nicht gerade en vogue.

 

P.S.: John Williams war mal Jazz-Pianist…

 

 

 

 

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Warum fahren die Jungen so auf komplexes Zeug ab?

Warum fahren die Jungen so auf komplexes Zeug ab?

Das habe ich mich neulich gefragt. Damit meine ich jetzt nicht nur 7/8-Take im Wechsel mit 3/2 und 5/4, sondern generell „komplexes Zeug“ – ohne das jetzt näher spezifizieren zu können.

Als ich noch „klein“ war, waren die Geschmäcker sehr verschieden: Da gab es die Oscar Peterson Imitatoren, da gab es die Fusion Fuzzis, die freien Improvisatoren, die „gotta-know-rhythm-changes-in all-keys“-Fraktion, und die Digitalpiano Hintergrundsmucker. Also ein ziemlich bunter Haufen.

Irgendwie stellten sich die meisten die mehr oder weniger unangenehme Frage, wozu man denn nun gehören soll? Richtig haarig wurde es bei der Auswahl des Repertoires für die erste eigene Band: Ein Bossa, dann ein ‚eigenes Stück‘ gerade Achtel, dann ein Standard als Swing, dann eine Art Blakey Jazz Messengers Nummer. Also alles war irgendwie kategorisiert und das hatte Vor-und Nachteile – ein bisschen wie damals in der Modewelt, denn ich erinnere mich da an meine Schulzeit, wo’s klamottenmäßig ähnlich bunt zuging und man sich auch dazu entscheiden musste, Esprit-Sweatshirts, Elho Daunenjacken oder das zu große Sakko von Opa zu tragen. Das schwierige daran war, in eine Gruppe zu gehören (zu müssen), das Schöne, aus vielen Richtungen wählen zu können, die alle irgendwie widersprüchliche Inhalte zu haben schienen.

Nun, 2013, erlebe ich die junge Szene natürlich ein wenig von außen, da ich rein altersbedingt nicht mehr dazugehöre. Ich bekomme dank Internet jedoch ziemlich gut mit, wer was so spielt und was neue Bands so treiben, und vor allem, was (in meinem Fall) an der Kölner Hochschule so goutiert wird. Das ein oder andere Gespräch zwischen aufstrebenden Musiker lasse ich auch mal ab und zu als evesdropper einsickern – vor dem Haupteingang der Hochschule. Meistens getarnt mit einem Pappbecher Kaffee.

Und über eine gewisse Zeit meine ich nun (ganz subjektiv), einen gewissen Trend feststellen zu können, der sich wie ein roter Faden durch die Vorlieben der jungen Musiker zieht: Sie stehen auf „komplexes Zeug“.

Technisch überzeugendes Können auf dem Instrument war schon immer interessant für Musiker, das meine ich nicht. Ich meine eher das musikalische Material selbst: die Stücke, die Herangehensweise, die Art zu musizieren, etc.
Wenn mich jemand fragen würde, ob ich finde, dass John Coltrane „komplexes Zeug“ ist, dann würde ich das wahrscheinlich verneinen, obwohl es natürlich hochgradig komplexes Zeug ist… Der Gestus der Musik liegt bei Coltrane für mich nicht in der Komplexität seiner lines, sondern eher in der Farbe, in der Energie, in der Melodieführung, im Sound. Komplex ist es natürlich auch – das merkt man, wenn man es versucht zu imitieren.

Wenn ich so die versammelte Mannschaft meiner studentischen Begegnungen der letzten 5 Jahre an mir vorüber ziehen lasse, dann stelle ich fest, dass „komplexes Zeug“ der Inhalt ist, der fast alle verbindet. Sei es nun die Stapelung krummer Taktarten, die „harmonielosen Zusammenhänge“ vieler Stücke, oder die extravaganten, suitenhaften Kompositionen, vielleicht auch eine Prise Vierteltonmusik? Ich kann und will hier nicht alle Schattierungen dieser Art aufzeigen, aber eines haben sie doch irgendwie gemeinsam: sie sind irgendwie „komplexes Zeug“.

Ich frage mich nur, wieso?

Immer wieder habe ich darüber sinniert, aber so richtig „Klick“ hat es bei mir nicht gemacht. Eine inhaltliche oder gar politische „Auflehnung“ gegen dumpfe Stampfmusik kann es nicht sein, dazu sind die meisten viel zu einverstanden mit allem – jeder darf alles machen und alles ist irgendwie OK und ‚dufte‘. Eine nötige Opposition gegen in der Jazzgeschichte bislang notorisch zu kurz gekommener Komplexität macht auch nicht gerade Sinn. Was bleibt also?

… bis mir etwas aufgefallen ist: Die Mehrzahl der jungen Musiker-Musikkonsumenten, hören heute Musik auf Youtube, Spotify, etc. Aber hören Sie auch zu? Länger als 2 Minuten? Ein ganzes Album? Immer wieder? Nein. Heute wird mal eben angespielt und gewechselt, angespielt, gewechselt. Nachdem man den vermeintlichen Inhalt einer Aufnahme gecheckt hat, geht’s weiter – und das dauert keine 2 Minuten.

Egal in welchem Stil wir uns befinden, ein Feuerwerk von „komplexem Zeug“ zeigt uns schon in der ersten Minute, wo’s langgeht! Der Hörer beißt an. Zehn Sekunden 5/4 mit 7/8 Überlagerung auf analogen Synths zeigen uns sofort: hier sind Checker am Werk, hier ist was los. Ist das nicht so, dann braucht es länger und die Geduld haben wir heute nicht (mehr).

Ich weiß, dass das eine sehr wilde Theorie ist, aber bislang die beste, die ich finden konnte.

Aber was stört mich daran? Die Vorliebe für „komplexes Zeug“ beschert uns allen natürlich eine ganze Armee von gut ausgebildeten Musikern, die schon in jungen Jahren auf ganz erstaunlichem technischen Niveau spielen können – als Komponist und Arrangeur freue ich mich besonders darüber, denn das durchschnittliche Niveau von Musikern z.B. in einer Big Band ist um ein vieles höher als noch vor 20 Jahren.

Was mich ein wenig beängstigt jedoch ist eine Tendenz (deren Existenz bestimmt nicht ganz unumstritten ist), das Erlangen von technischen Möglichkeiten vom Inhalt der Musik zu entkoppeln. D.h. „komplexes Zeug“ wird für sich genommen zum Inhalt, während es noch zu meiner Studienzeit vorwiegen eine Mittel war, einen musikalischen Inhalt ausdrücken zu können. Eine schlechte Version von „der Weg ist das Ziel“.

Einen weiteren Zusammenhang sehe ich hier: Von der Hatz auf inhaltsarmes „komplexes Zeug“ wenden sich junge Jazzmusiker unnötig ganz ab vom Jazz – die Flucht zur Einfachheit, sozusagen. D.h. parallel zum „komplexen Zeug“ entsteht eine musikalische Welt der Einfachheit, die allerdings ebenso leer ist, wie ihr Gegenstück. Denn auch hier spielt oft nicht die Umsetzung einer musikalischen Idee, sondern die Suche nach einer einfachen Hülle die größte Rolle: Hauptsache es ist „einfach“ oder „down to earth“ oder „cool“ oder „chilled“, egal was drin ist. Gutes Beispiel dafür sind die diversen Jazz-Topacts, die nüchtern betrachtet akustisch-belastete Popmusik machen. Und ja, ich denke es gibt trotz Grenzbereichen einen Unterschied zwischen Pop und Jazz.

Die Welt der Jazzmusik scheint sich in meiner Theorie also langsam in zwei Versionen der gleichen Hülle zu spalten – eine Hülle, die zum Inhalt wird.

Dabei ist doch die interessanteste Musik eine, die sowohl „komplexes Zeug“ enthält, wie auch einfache Dinge. Harmonie und Dissonanz, laut und leise, schnell und langsam. Widersprüche und Gegensätze, die die Musik und das musizieren erst wirklich abwechslungsreich machen, im Spannungsfeld der Erfüllung und Enttäuschung musikalischer Erwartungen – egal, in welchem Stil wir uns befinden. Musik lebt nur, wenn Sie spannend ist.

Ich würde mir wünschen, wenn mehr nach dieser Musik gesucht würde… Wenn mehr junge Musiker sich die Zeit nehmen würden, erst nach dem Ziel und dann nach dem passenden Vehikel zu suchen.

Um zurück zum Beispiel der Mode an Schulen zu kommen, würde ich mir eine Studie zur Bekleidungskultur der gymnasialen Oberstufe in verschiedensten Städten Deutschlands wünschen – ich bin mir sicher, dass man Mühe haben würde, dort viele unterschiedliche Strömungen herauszulesen.

Edit vom 16.09.
Nur um diese Einschätzung nicht zum Zündholz für ewig gestrige Innovationsverneiner zu machen, möchte ich nochmals klarstellen, dass ich selbst ein großer Freund von „komplexem Zeug“ bin, wenn dieses eingebettet ist in musikalischen Inhalt, Spannung, Drama, Energie, etc. Ich finde es nur dann problematisch, wenn es all die o.g. Dinge ersetzen soll.

 

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Gregory Porter – warum trägt er diesen Hut?

Gregory Porter – warum trägt er diesen Hut?

Das ist eine Frage, die mich gleich in zweierlei Hinsicht beschäftigt. Einerseits durchaus wörtlich, also in Bezug auf die Kopfbedeckung und andererseits in Bezug auf sein „Début in der Jazzwelt“, wie es schon so oft beschrieben wurde.

Warum interessiere ich mich überhaupt dafür?

Meiner Ansicht nach verschiebt sich die Vermarktung der Jazzmusik seit einigen Jahren stringent in Richtung Pop. Es geht nicht mehr hauptsächlich um die Musik, sondern um für das Publikum scheinbar so wichtige Schein-Eigenschaften, wie ‚Emotion‘, ‚Charisma‘, ‚Klischees‘ etc.

‚Schein‘ deshalb, weil diese Eigenschaften auf jeden Künstler beliebig zutreffen können – es muß nur jemand behaupten. Gregory Porter ist meiner Ansicht nach ein typischer Vertreter dieser neuen Jazzprodukte. Aber der Reihe nach… Continue reading

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Did the American Songbook kill Jazz?

Ein interessanter Artikel – oder zumindest eine interessante Theorie…

Did the American Songbook kill Jazz?

Ich finde der Artikel hat insofern nicht unrecht, daß der Augenmerk im Jazz zu lange fast ausschließlich auf den Improvisationen und Improvisatoren lag. Bei aller Größe und Genialität sind dies immer Momentaufnahmen, Geistesblitze, die sich schlecht tradieren lassen – außer wiederum durch weitere ausübende Improvisatoren. Also eine Art mündliche Überlieferung, die zwar eine reiche Sprache, aber relative dünne „Geschichten“ (= Kompositionen) hat.

Über die Jahrzehnte und Jahrhunderte der Musikgeschichte haben sich stets Kompositionen erhalten (durchaus auch im modernen Sinne als Soundkompositionen), selten jedoch Interpreten.

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Musiker ‚umsonst‘ auf tour…

Hier hat sich eine amerikanische Musikerin etwas besonderes einfallen lassen: Anstatt mit Ihrer Band zu will sie mit lokalen Musikern (und deren equipment) spielen und keine Gagen bezahlen – dies wäre Ihr zu teuer.

http://www.prefixmag.com/news/amanda-palmer-cant-afford-to-pay-her-backup-band/69017/

http://www.kickstarter.com/projects/amandapalmer/amanda-palmer-the-new-record-art-book-and-tour

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